the verse

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爵士节看完了，除了写了一个稿子外，想动笔写观感的欲望几乎没有。记忆最深的居然是每天开场，伴着一支蜡烛的影像画面播放的what a wonderful world，当然，是老louis的最温暖的那个版本，听得我一时出神，居然想起《十二只猴子》的结尾来。

爵士乐这个东西发展到今天，还真是不好怎么说它。用T.S.艾略特的“wilderness of mirror”（镜之荒原）来形容现代艺术是老生常谈——繁衍，无穷的繁衍，伴随着价值和兴奋度的降低。和当代造型艺术只剩下“概念先行”、几乎完全失去创作过程的快感相比，音乐的发展好歹还剩余着那么一些过程本身的感官愉悦，然而在爵士乐里面，这种愉悦也正在“繁衍”中变得细微，只有最资深的耳朵，才能随着台上几个乐手，去把握那比室温变化、比开花的过程、比汗顺着皮肤流下来的轨迹还要微妙的一些声音的关系——小组演奏的爵士乐因此走入死胡同是不奇怪的，它变成一种最需要听觉经验、最具排他性的音乐，一种孤芳自赏的呈现，更令人迷惘的是，这种呈现漫无目的，感官是唯一的对象，有一种相悖的状态：在小组里，大家都在各自的演奏空间里，寻求某点的相遇：节奏，一个和声的把玩。但试想若是长期在一起合奏，彼此的了解会使这种兴奋度降低，直到彼此完全了解而失去新鲜感。接下来，寻找新的合作？撞击？

而在观众那里，收集如此演奏会的100个样本，就会使每个样本彼此间差异的意义变得微乎其微，本来，爵士乐传统里有众多经典的作品可作为现场演奏的文本，那么起码有一定的“音乐性”在支撑，这也是和观众形成思维沟通的桥梁（苦苦辨认总比完全不在意演奏文本好），但目前的爵士乐家们却更多的被创作欲和野心驱使，如此，在爵士乐发展近百年之后，作品创作空间的匮乏最终注定了它的生命力的式微。

有一本产于70年代的书，叫做《怎样鉴别黄色歌曲》，里面如此分析“黄色歌曲”的音乐特征：……这些“流行歌曲”，由于大量采用闪过强拍的连续切分节奏，就使人体本来要与音乐正常节奏相协调的律动要求，总是落不到点上。它不断的引着你去协调，又总让你抓不住，于是就感到受它的诱惑而一逛一闪，动动荡荡，再加上软绵绵的曲调，娇腻腻的演唱，就产生了那样的效果。

为党的文艺工作者叫好！这段对“黄色歌曲”分析是如此的精辟，直接就可以形容爵士乐最基本的魅力——在稳定的摇摆节奏上，玩弄切分的重音转移，从而引导身体的摆动。说白了，这就是勾引，勾引是需要若即若离的。而爵士乐技术化的发展，导致现在的演奏往往忽略掉最基本也就是最容易产生律动共鸣的节拍，变得越来越琐碎和晦涩，乐手互相鼓励着享受通向晦涩的赛跑，观众早被甩到后面，茫然亦步亦趋，显然是“脱勾”了；至于旋律？有哪位音乐人的兴趣还在建构一段简单明朗的旋律上呢？

我这样说，并非主张大家都写“群众喜闻乐见”的作品，只是，艺术样式从明确繁衍至晦涩和模糊，这在历史上常见：艺术经历蜕变为技术竞赛和样式泛滥的年代，最终走向衰落（比如“晚期哥特”或者“洛可可”以及呆若木鸡的学院主义）。

当然，现今的爵士也早不是当初的爵士了，它吸收了太多的别的东西，所以，才会有温顿·马萨里斯那样的“卫道士”：一切funk、fusion、R&B都是垃圾！回到big band，回到古典爵士。以前我觉得他很古板，但是想想也有道理。

不过从个人欣赏来讲，erik truffaz这样的音乐我还是欢迎的，和三年前相比，他的乐队状态更加放松和开阔，某些段落甚至让我想起miles的《bitchs and brew》，仿佛回到迷人的70年代了。那个年代，miles们在寻找着声音的空间，让想象力延伸，虽然游离于爵士传统之外，但却是创造力的体现——尝试寻找结构的张力、音色的组合。与此相比，当下许多乐手们迷恋的是一种成熟技术的展示，专注于技术化的诠释，过度诠释的结果就是流于琐碎，与爵士乐的音乐性、与听众疏离，尽管它还在运用“爵士”的语言。

在2008年的夏天，能从一周的爵士节里收获erik，就已经很满足了。在这些都不怎么传统爵士的爵士里，erik起码比那些技术竞赛更让我感觉到音乐的生气，也显示一种生命力的延续，够了。反正，在温顿看来，谁都不够爵士。

好久没逛孔夫子了，今天看了一个书店不错，订了一堆书：《基督教的本质》、《唐诗杂论》、《白虎通疏证》、《唐诗别裁集》、《罗素自选文集》、《金明馆丛稿二编》、《周易注疏》、《论语集释》。都还不贵，这是关键！